Notre activité est placée sous ce patronyme : le tempo, en musique, qu’est-ce que c’est ?

Roland de Candé, dans son Dictionnaire de la Musique, donne cette définition du tempo : « le tempo, ou « mouvement », c’est à dire la vitesse moyenne d’exécution d’une oeuvre musicale, échappe aux déterminations rigoureuses et met en défaut notre manière d’évaluer  les durées. En musique, le temps est un paramètre variable, lié à l’importance et à la qualité de l’orchestre, au tempérament du chef, aux caractéristiques de la salle, aux réactions du public, etc. Un même tempo pourra sembler trop rapide ou trop lent selon l’interprète et les conditions de l’audtion ; aussi est-il bien difficile d’affirmer, comme tant de gens le font négligemment, que celui-ci ou celui-là a pris le mouvement juste. « Chacun décide lui même, selon le texte et l’harmonie, s’il convient de jouer lent ou vite », écrivait Praetorius en 1700. Sans être aussi libéraux, la plupart des compositeurs de jadis renonçaient à imposer à leurs interprètes des mouvements rigoureux. Le pouls humain était leur système de référence habituel. Mais, en 1806, le mécanicien autrichien Maelzel prit un brevet pour la construction du métronome. Beethoven, l’un des premiers, s’enthousiasma pour l’instrument diabolique : il s’acharnait à noter ses indications métronomiques, bien qu’elles lui fissent régulièrement douter, un peu plus tard, du bon fonctionnement de son métronome… Les termes italiens, apparus vers 1600, éclairent uniquement l’interprète sur les intentions du compositeur ; mais ils concernant le caractère générale du mouvement et ne peuvent constituer une indication de tempo. La bonne compréhension de ce vocabulaire est indispensable au compositeur comme à l’interprète. Adagio : doucement, à l’aise ; allegro : gai, joyeux ; andante : allant ; piu andante : plus allant, c’est à dire plus vite (et non plus lent, comme on le croit parfois) ; assai : beaucoup, très (et non « assez », « modérément ») ; mastoso : majestueux ; mosso : mouvementé ou ému ; rubato : volé (le tempo rubato est litérralement une durée escamotée)…. »

Danhauser, dans son Abrégé de la Théorie de la Musique, donne une définition du tempo plus stricte : « nous savons que les signes qui expriment des durées (notes ou silences) ont entre eux une valeur relative ; mais aucun de ces signes n’a une valeur absolue. C’est le mouvement (ou tempo) qui détermine la durée absolue de ces différents signes ». Un peu ferme… Il me semble que la définition de Candé insiste sur le caractère très subjectif du tempo à bon essient : trouver le « bon tempo » est donc une démarche personnelle, fluctuante, vivante et créative. Un point important souligné par la définition du tempo proposé par Roland de Candé est le lien quasiment « ancestral » avec le battement du coeur humain. Pour trouver le tempo adapté à des activités musicales avec les enfants, il ne faut pas oublier que leur pouls bat beaucoup plus vite que le pouls d’un adulte.  Le pouls du nourrisson est d’environ 100-130 pulsations par minute, contre 90-110 pour l’enfant et 60-80 pour l’adulte. Une chanson ou une musique interprétée plus « rapidement » conviendra donc mieux au rythme naturel du jeune enfant. Ne négligez pas ce point quand vous chantez ou réalisez des ateliers de rythme avec des enfants dans les écoles maternelles et primaire, ou avec les petits dans les crèches !

Si certains de nos lecteurs ne sont pas encore convaincus du caractère très relatif et subjectif du bon tempo, ils trouveront certainement leur plaisir dans les indications « classiques » de correspondance entre le tempo indiqué sur la partition, et le nombre moyen de pulsations par minute (pulsations à la noire).

Beaucoup de musiciens, qu’ils soient amateurs ou professionnels, doivent régulièrement jouer « sans partition », et donc mémoriser notes, rythmes, phrasé musical et nuances, … Pour les Proms 2015, à Londres, un orchestre va jouer intégralement la Symphonie Pastorale de Beethoven sans partition : plus de 40 minutes de musique et des centaines millions de notes sans support visuel – un cas unique dans la pratique des orchestres actuellement. Certains musiciens estiment que jouer avec sans partition leur permet de donner une plus grande importance à l’expression musicale ; d’autres considèrent qu’apprendre un morceau par coeur est chronophage et qu’à contrario, la peur d’un « trou de mémoire » a un effet paralysant, contreproductif. La partition permettrait donc de gérer en partie le trac.

Les scientifiques se sont penchés dès le 18e siècle sur cette « mémoire musicale ». Reliée à la catégorie de mémoire dite « musculaire » (comme la conduite ou la frappe sur un clavier, c’est une mémoire qui s’acquiert et se développe par la répétition d’un mouvement). C’est un type de mémoire qui nous permet, de manière générale, de réaliser des opérations relativement complexes en y consacrant le minimum d’attention. Cependant, dans une configuration de stress ou d’anxiété, il arrive que la « machine cale ». Cet « accident de parcours », sur des procédures complètement maîtrisées, apparaît parfois chez des sportifs ou des musiciens de haut niveau. Une attention toute particulière est donc nécessaire pour éviter ces « accidents » du plus mauvais effet. Ce n’est pas la répétition « ad nauseam » – qui est pourtant le mécanisme central de ce type de mémoire – qui peut les éliminer.  Les musiciens vont utiliser d’autres approches de la musique, qui viendront naturellement renforcer leur maîtrise de la partition. Par exemple : ré-écrire la partition de mémoire, ou produire un arrangement harmonique de la musique. Une autre approche consiste à commencer à jouer à partir d’un point différent de la partition : la mémoire musculaire est habituée à suivre le même enchaînement d’une action à l’autre, et il suffit parfois d’une petite distraction (un spectateur qui tousse) pour venir enrayer complètement l’enchaînement. Commencer « en cours de route » va venir perturber ce biais mémoriel, et, avec la pratique, renforcer la mémoire. Ces techniques vont venir créer de nouveaux « ancrages » auxquels la mémoire du musicien pourra venir se raccrocher en cas de besoin.

L’ensemble de ces pratiques cérébrales impacte le musicien : les neuroscientifiques ont noté une sur-activation de l’hippocampe. Ils ont également noté qu’en cas de perte de mémoire (chez les amnésiques par exemple) c’est la mémoire musicale qui est la mieux préservée. Si les causes de cette mémorisation très solide sont encore à analyser, les scientifiques pensent que la musique relie tellement de points différents du cerveau que ce réseau est particulièrement fort et résistant. Tout le monde a fait l’expérience de se souvenir facilement d’une chanson qu’il n’a pas entendu pendant plusieurs années. Nul doute que les nombreuses recherches en cours nous éclaireront davantage sur la façon dont la musique vient mettre en action notre cerveau !

Plus de détails : un article de la BBC de Jessica Grahn, spécialiste en neuroscience cognitive et professeur assisntant au Brain and Mind Institute (Western University, London, Ontario).

Le Club des Enfants Parisiens a ouvert ses portes en 2013. Il s’inspire des « after schools » new-yorkaises ou londoniennes, en offrant aux enfants un espace de qualité pour des parcours artistiques, culturels ou sportifs. Les activités sont variées, les intervenants de première qualité, et les lieux sont très accueillants, autour d’un patio-jardin dans le 17e arrondissement.

TEMPO et le Club des Enfants Parisiens se retrouvent autour de valeurs communes : pratiques artistiques créatives et ludiques, qui visent au développement et à l’épanouissement de l’enfant, dans une dynamique de groupe positive, autour d’intervenants professionnels de la pédagogie et enthousiastes.

Nous avons donc conçu ensemble des stages musicaux pour les vacances de février. Les propositions sont variées, et adaptées aux différents âges de l’enfant.

– 3-4 ans / 5-6 ans : éveil musical et corporel (animé par Maylis, intervenante en éveil musical)

– 7-10 ans : découverte de l’opéra (animé par Susanna, Premier Prix de Piano et ancien régisseur d’opéra)

– 8-10 ans : petit orchestre – ouvert uniquement aux enfants ayant plusieurs années de pratique instrumentale (animé par Samuel, direction d’orchestre)

Toutes ses propositions s’appuient sur la richesse de la pédagogie musicale : travail de l’écoute, de l’attention, de la créativité, de l’expression artistique personnelle. Au terme des 5 demi-journées du stage (2 heures le matin ou l’après-midi), ils se clôturent tous par un petit spectacle ouvert aux parents, qui permet de construire une dynamique pédagogique : les enfants apprennent à concevoir ensemble une restitution personnelle des savoirs découverts pendant le stage, et le partagent avec fierté !

N’hésitez pas à télécharger le programme, contacter le Club des Enfants Parisiens pour en savoir plus, et à partager l’information autour de vous !

La toute dernière fiche pédagogique TEMPO invite les professeurs et intervenants en milieu scolaire à découvrir les principes pédagogiques et les conseils pratiques utiles pour la conception et l’animation d’un atelier d’éveil musical en école maternelle et primaire. Cette fiche pratique n’est pas un catalogue d’exercices-jeux, un répertoire de chansons ou de jeux de rythme, mais permet de réfléchir sur les éléments structurants, importants dans la conception et la réalisation de l’atelier musical.

Concevoir et animer un atelier musical en école maternelle et primaire

Il s’appuie sur l’expérience pédagogique des 70 professeurs TEMPO, qui animent des ateliers musicaux au quotidien en milieu scolaire et s’adresse à tous les enseignants qui souhaitent conduire un projet pédagogique musical en maternelle ou primaire. Comment créer un espace et un environnement propice à la musique ? Combien de temps peut durer un atelier musique, et comment le structurer et créer une dynamique propice aux découvertes, à l’apprentissage et à l’épanouissement des enfants ? Comment leur faire prendre conscience de la richesse du monde sonore, de l’importance d’une écoute de « qualité » et du silence « actif » ? Quelle est la place du corps et de la relaxation dans une pratique musicale ? Autant de points qui sont abordés de manière pragmatique. Ces pistes serviront d’aide-mémoire et de fil directeur à chaque enseignant pour construire, à partir de ce « squelette », un parcours pédagogique musical adapté au groupe d’enfants dont il a la charge, en fonction de leur âge, du projet pédagogique global de la classe, des compétences et goûts musicaux personnels de l’enseignant en école maternelle et primaire. La richesse de la pédagogie musicale au service de l’éducation. Nous vous souhaitons de fructueux parcours d’éveil musical et serions heureux d’en savoir plus sur vos propres pratiques, vos succès, vos plaisirs, vos envies, mais également de vos frustrations, difficultés, interrogations, vos « tuyaux pédagogiques » et les ressources que vous aimez utiliser (ouvrages, recueils, sites internet, …).  Et si vous souhaitez notre aide pour mettre en place un projet pédagogique musical ambitieux, n’hésitez pas à nous contacter et vous informer sur nos projets pédagogiques musicaux en école primaire et maternelle.

Concevoir et animer un atelier musical en école maternelle et primaire

Vous souhaitez découvrir l’univers des percussions corporelles ? Tout au long de l’année, deux artistes musiciennes vous invitent à découvrir, explorer et approfondir le langage de la musique produite par le corps, à travers l’exploration de ses diverses possibilités sonores : voix, chant, percussions corporelles et vocales.

Les rencontres vous amènent à découvrir un riche patrimoine de chants du monde (Balkans, Meditérranée, Brésil, Japon, Inde, Afrique du Nord, Afrique noire, …) et à explorer les espaces de l’improvisation collective. Des restitutions/présentations sont prévues tous les quatre/cinq mois environ, pour ceux qui souhaitent y participer, mais chaque atelier est accessible et ouvert à tous, y compris ceux qui n’ont pas d’expérience musicale, et indépendamment des autres dates proposées au cours de l’année. 

Chaque stage-atelier comporte, entre autres :
– l’exploration des timbres et rythmes en percussions corporelles et vocales
– la perception de la relation entre le chant et le mouvement du corps
– la découverte et la mise en place de chants et de rythmes variés 
– des exercices-jeux qui favorisent la concentration, écoute et conscience du travail en groupe
– l’élaboration d’arrangements à partir des morceaux travaillés
– un travail  individuel et collectif de variation / improvisation sur les chansons proposées
– la création des pièces musicales collectives.

https://youtu.be/VSDfMxGW4hI

De l’autre côté de la Manche, la musique -et notamment le chant- occupe sans doute une place plus « large » dans la société et la vie quotidienne que chez nous. Des »Christmas carols » au moment de Noël aux « proms », ces pique-niques musicaux bon enfant organisés pendant l’été, nombreuses sont les occasion offertes à nos voisins grand-bretons de chanter ensemble, quel que soit le niveau musical de chacun. La musique liturgique occupe également une place plus importante qu’en France, chaque cathédrale portant une attention toute particulière à sa maîtrise de chanteurs, et certaines paroisses bénéficient également de choeurs professionnels pour animer les célébrations.

Mais le chant choral compte un fervent supporter connu du grand public : Gareth Malone, un jeune chef de choeur passionné et charismatique.  En 2007,  tout juste âgé d’une trentaine d’années, il lance The Choir, un programme diffusé sur la chaîne de télévision BBC2. Le principe est simple : suivre la mise en place d’une chorale, composée d’adolescents sans expérience ou talent musicaux particuliers. L’énergie de Gareth, et la beauté de la démarche font de cette série un succès, couronné par 2 BAFTA et un « Broadcast Award ». The Choir est suivi par deux autres projets musicaux diffusés sur la BBC : une chorale mise en place dans une école de garçons, Boys don’t Sing,  dont le titre résume bien le challenge initial, et Unsung Town, un projet de chorale locale (ou Community Choir), dans une petite ville peu favorisée où la pratique du chant n’est pas très répandue.

En 2011 un nouveau projet de chorale a été suivi par la BBC, qui regroupait les familles de militaires britanniques déployés en Afghanistan.  La même année, un des projet très ambitieux est confié à Gareth : « recruter » et former une cinquantaine d’adolescents de l’East Sussex (une des régions peu favorisées du Royaume-Uni) pour former un choeur qui « s’intégrera » dans un opéra représenté à Glyndebourne. Glyndebroune, la « Mecque » de l’opéra en Angleterre, pas vraiment l’endroit où l’on peut se permettre d’être « moyen ». Gareth et ses jeunes parviennent à relever ce challenge, quelle leçon d’espérance !

En 2012, Sing while you Work a transporté la chorale dans l’entreprise : quatre chorales ont été mises en place dans des entreprises différentes, et l’émission a suivi la dynamique toute particulière qui se met en place autour ces projets : c’est le team building chorale qui est mis à l’honneur ! Ce programme a connu un tel succès qu’un second groupe de cinq chorales d’entreprise ont été mises en place pour une série BBC en 2013. L’enthousiasme des britanniques s’est « exporté » de l’autre côté de l’Atlantique, Gareth Malonne a animé un programme pour la télévision américaine en 2013.

Vous vous en savoir plus ? N’hésitez pas à faire un tour sur le site internet de Gareth.  Vous y découvrirez notamment de nombreuses vidéos présentant chacun de ses projets. Au delà de l’enthousiasme, des compétences musicales et pédagogiques, et du charisme personnel de Gareth, ces programmes mettent parfaitement en lumière ce qui est au coeur de l’approche de TEMPO : la musique est accessible à tous, et devient très rapidement un chemin de développement et d’épanouissement de chacun, en « individuel » comme en « collectif ». Alors, n’hésitez pas, franchissez le pas, pour découvrir les talents musicaux qui sont en vous. Nous vous accompagnons en musique, en crèche, école, entreprise et maison de retraite !